sábado, 7 de mayo de 2011

Fernando Alfaro "La vida es extraña y rara" (Marxophone 2011)


Como si de uno de los trabajos hercúleos se tratara, cuentan que Fernando Alfaro bajó al abismo, miró a los ojos al mismísimo Diablo y le dijo: "La vida es extraña y rara". Este disco es el testimonio de tan singular encuentro.
La Vida Es Extraña Y Rara, es la historia de un tipo que se aferra a la vida, la oración del que clama pidiendo prórroga, el anhelo de un gol en el minuto de descuento. En definitiva, del amor como medio para hacer frente al abismo. Si echamos la vista atrás, el abismo ha estado siempre presente en la carrera de Alfaro. Incluso podríamos encontrar ciertas similitudes entre la portada de 78, el primer disco de Chucho y la de La Vida Es Estraña Y Rara, ambos con referencia alegórica al abismo.

Nos encontramos ante el primer disco que Fernando graba sin banda, aúnque ha contado con la colaboración de artistas de la talla de Raül Fernández Refree o Nacho Vegas, entre otros. El resultado es un disco descarnado, esqueletos rabiosos que muestran su alma en canciones redentoras.

"Extintor de infiernos" es posiblemente la mejor canción que se haya compuesto en este país, una nana que asusta por su oscuridad y crudeza y en la que podemos permitirle la licencia de confundir Los Ángeles con la capital de California. Es sobrecogedor escuchar a Alfaro cantando, asustado e indefenso "Pero ¡mirad cómo me agarro a mi cuerpo! Nunca sentí la vida como ahora que la pierdo". "Camisa hawaiana de fuerza" recuerda las primeras grabaciones de Chucho y retoma la idea del largo fin de semana con final catastrófico, incidiendo en el amor como vía de escape, en un verso contradictorio: "Si tu amor me hace libre, ¿por qué no puedo irme?". La ternura de "El dolor del miembro fantasma", la suave melancolía del himno "Un viaje largo, largo", letras sobre la tristeza por el amor ausente, recuerdos de infancia, reflexiones sobre los héroes públicos y aquellos que nunca serán considerados como tal, nos muestran a un Fernando Alfaro frágil y en un estado de gracia compositiva abrumador.

La Vida Es Extraña Y Rara es el mejor disco de Fernando Alfaro hasta la fecha, una nueva clase magistral sobre el dolor. Difundid su palabra.

Smile "All Roads Lead to the Shore" (December/Altafonte 2011)


Tras este proyecto de nombre tan wilsoniano, se esconde el surfista y dibujante inglés John Franks, compositor de todos los temas de All Roads Lead To The Shore y alma mater de la banda. Smile nacen en Getxo, bajo la influencia del sonido californiano de los años 70, aúnque para este segundo disco su sonido evoluciona hacia un estilo más rockero, incluyendo a un segundo guitarrista en la formación, compuesta en la actualidad por cinco miembros.


Smile son una banda de pop folk que hace canciones brillantes y cuyo discurso es un alegato en favor de los espíritus libres y de la lucha por la consecución de los sueños. En lo musical, All Roads Lead To The Shore es el eslabón perdido entre Heartbreaker y Gold de Ryan Adams, bebiendo a partes iguales de fuentes de folk tradicionales, así como de Johnny Cash a Bob Dylan, o de Tom Petty al ya mencionado l'enfant terrible, nacido en Jacksonville.

All Roads Lead To The Shore posee una gran riqueza sonora, con una instrumentacion muy ostentosa y virtuosista, y tremendamente espectacular en matices. De los perezosos silbidos de "Do as I want", a los zeppelianos riffs de "Time to go", pasando por la majestuosa "Island paradise", o la luminosa y pegadiza "Let go", Smile superan el difícil reto de un segundo disco, sin complejos y con insultante destreza.

¿Cómo puede sonar un disco grabado por un inglés en el norte de España, tan al sur de los USA? Deja de preguntartelo y disfrutalo en tus próximos viajes, porque Smile son compañeros ideales de carretera. Viajes sin destino, allí donde se cumplen los sueños.

Arizona Baby & Los Coronas "Dos bandas y un destino" (Subterfuge 2011)


Fruto de la semejanza de estilos y de las buenas relaciones entre los miembros de Arizona Baby y Los Coronas, surge Dos Bandas Y Un Destino, simbiosis perfecta convertida en proyecto conjunto, que han paseado por la casi totalidad de la geografía nacional en 2010 y que seguirán mostrando en 2011, en una gira interminable. Como colofón, o tal vez como un punto y seguido, surge un ep homónimo en el que la banda relee desde su particular perspectiva fronteriza, clásicos de Pink Floyd, Del Shanon, Dead Kennedys y Alci Acosta.

Así, impregnadas por la pasión de la que hacían gala los bandoleros y teñidas de orgullo mariachi, las cuatro canciones de este ep suenan con la naturalidad con la que una serpiente de cascabel se mueve en el desierto.

Nada intimida a estos chicos, así que estas dos bandas tienen muy claro su destino. Aquí si que no hay cabida para esa famosa frase que decía aquello de "no hay sitio en esta ciudad para los dos". Si puedes disfrutarlos en directo, no pases por alto la ocasión.

Velocista "Murmullo de la Selva Virgen" (Starsky 2011)


Plenamente convencido de que Murmullo De La Selva Virgen es un buen disco, me hago el firme propósito de no incidir demasiado en esta reseña, en la más que evidente influencia de Fernando Alfaro en el debut de Velocista, para no despistar así la atención del lector ante un grupo que administra el tratamiento de la crudeza en cada canción. Ya podrá el oyente reconocer huellas de Surfin'Bichos o Chucho en cada cicatriz de este disco, sin necesidad de ayuda externa.
Los valencianos Velocista decidieron grabar Murmullo De La Selva Virgen en los Estudios La Mina de Sevilla, estudios que ya se han hecho un importante hueco en la escena independiente nacional, gracias al buen trabajo de Raúl Pérez al frente de la nave.

Velocista apoyan sus canciones en un fuerte componente melódico, lo que a veces determina largos interludios instrumentales que incrementan la intensidad de las historias relatadas. En dichas historias, Toni Cárdenas se destapa como gran letrista, arropado por los deliciosos coros de Sandra Ferrer, las tormentas de electricidad de Román Capilla y los emocionantes teclados de Toni Ferri.

Con prudencia y paso firme, Velocista releen el pasado para escribir el futuro del pop nacional.

Stella Diana "Gemini" (Siete Señoritas Gritando 2010)


Stella Diana son un grupo italiano de shoegazer y pop noise con importantes guiños a la new wave y al space rock, que llevan dando guerra desde 1998.

Apoyados en Siete Señoritas Gritando, sello creado por los también italianos Marco Morgione y Silvia Langa, Stella Diana publica Gemini, un disco con una marcada obsesión por el paso del tiempo y cuyos textos están cantados en italiano, lo que los convierte en una "rara avis" en el género. El cuarteto, que ha sido denominado por la prensa italiana como los "Arab Strab italianos", ha grabado y masterizado Gemini en Barcelona, en Micromaltese Studio y Hitmakers Studio respectivamente.

Gemini va del suave paseo por el espacio carente de gravedad de "Shohet", al oscuro y tenso músculo sonoro de "Gli Eterna" y "Kingdom Hospital", que los acerca a bandas como Odio París y Disco Las Palmeras! También hay espacio para la delicadeza melódica de "Caulfield" y para el hit pegadizo de "Paul Breitner".

Stella Diana es uno de esos claros ejemplos de que "quien la sigue la consigue", trece años después de su primera maqueta publican un disco más que interesante.

Disco Las Palmeras! "Nihil Obstat" (Matapadre 2011)


En Galicia desde hace años, el trabajo de las bandas y los sellos está dando su fruto. De este trabajo surge un caldo de cultivo del que se alimentan nuevas bandas y que es ya la génesis de una escena más que interesante. Al calor de esta escena llegan Disco Las Palmeras!, uno de los nombres más feos que conozco para un grupo, pero que han parido el que para mí es ya, la primera gran sorpresa de 2011.
Nihil Obstat es un disco combativo, insurgente y falto de piedad, repleto de violencia sonora y de estados emocionales chirriantes. Disco Las Palmeras! son David Lorenzo, Selín Pallares y Diego Castro, pero su sonido debe mucho al trabajo de Iago Lorenzo, productor del disco que en tiempos de urgencia como en los que vivimos, tiempos en los que los discos se graban en una semana, le ha dedicado los meses de mayo y junio a esta grabación y septiembre y octubre para la mezcla final, todo con la inestimable ayuda de Pancho Suárez. El resultado es espectacular: Shoegazer con mayúsculas, cantado en castellano y directo al corazón. Y es que Nihil Obstat es un disco con alma propia, y eso es algo que no se da en demasiadas ocasiones. Canciones como "La soga umbilical", "Testigos de Dios", o "Me la jugasteis en China" son plausibles himnos indies, cuya adicción crece con cada escucha.

Posiblemente no los veamos en muchos festivales este verano, pero seguro que estarán en las listas de lo mejor del año.

Crónica South Pop Sevilla 2011


La convivenvia de dos festivales en la misma ciudad (South Pop y Territorios) y tan próximos en fechas, terminó por minar la afluencia de público en esta séptima edición del festival sevillano organizado por Green Ufos. La falta de espectadores fue más perceptible aún en la tarde del sábado, a pesar de contar con Standstill como cabeza de cartel, una banda que suele ser un seguro para estos propósitos. La filosofía del South Pop, que apuesta por bandas menos conocidas por el gran público, choca frontalmente con la idiosincrasia de Territorios, repleto de bandas de nombres más que contrastados, como The Human League, Vetusta Morla, The Divine Comedy o Asian Dub Foundation. Puestos a elegir, se ve que el público sevillano se decantó por el formato menos arriesgado, aúnque esto todavía está por ver. Además el sábado, se celebró el primer encuentro de los cuatro esperados derbis futbolísticos, en esta ocasión con la liga en juego. Todo parecía conspirar contra el South Pop. A pesar de todo, el festival ha tenido grandes momentos y como suele ser habitual, nos ha descubierto verdaderas joyas musicales.


Viernes 15 de abril:

- Los chilenos Dënver dieron el pistoletazo de salida. El dúo venía precedido de una gran expectación debido a su excelente segundo disco Música, Gramática y Gimnasia, editado en 2010 y que a mí particularmente me despierta las mismas emociones que me provocó allá por 1994 Un Soplo En El Corazón de Family. La propuesta fue presentada de manera muy arriesgada, con la mayor parte del sonido pregrabado, lo que hizo que el comienzo fuera bastante frío y que preciosas canciones como "Los Bikers" o "Diane Keaton", perdieran en intensidad. El dúo subió la temperatura del teatro con las sensuales contorsiones de Mariana Montenegro (firme candidata a la chica más guapa del festival) seductoramente tumbada sobre el escenario y de ahí al final, sonaron arrebatadoras "Lo que quieras", "Olas gigantes" y finalmente, la esperada "Los adolescentes".

- Ellos presentaban su quinto álbum Cardiopatía Severa y aúnque el público se lo pasó en grande bailando y coreando sus canciones (nuevos clásicos, como comentó Guille Mostaza), se les vio bastante fríos y distantes. Guille se empeñaba en adoptar la inigualable pose de Morrissey, con esa mezcla de histrionismo y dramatismo, de rodillas en el escenario, tumbado y con el micro sobre el pecho mientras nos dejaba con la miel en los labios al cantar una minúscula versión de "Campeón". Suenan "Lo nuestro", "Pobre caimán" o "He vuelto" (tras pesentarla con un "Milton, yo también puedo hacer canciones bonitas") y finalizan con la archicelebrada "Lo dejas o lo tomas".

- Mercedes Audras era la única artista presente en el festival perteneciente al catálogo de Green Ufos. Desconocida por la mayoría de los asistentes, la franco-argentina fue una de las sorpresas de la jornada, con un set que comenzó delicadamente folk y que se fue haciendo más rocoso a medida que se acercaba el final de la actuación. Acompañada de violín y guitarra, Mercedes Audras desgranó historias de amores imposibles y heridas que no cicatrizan, y finalizó cantando en castellano "Pensando en ti" y "10000 Kms".

- Los catalanes Manel eran uno de los platos fuertes de la jornada. Demostraron que en ausencia de prejuicios, en la música no hay ninguna barrera idiomática posible y dejaron constancia en Sevilla del porqué del exito nacional de 10 Milles Per Veure Una Bona Armadura. Canciones preciosas como "Boomerang" o "Ai Dolors", semi desnudas, tocadas con alma y dotadas por la inusitada belleza de la sencillez. Cándidos y cariñosos, Manel se mostraran muy bromistas, acompañando sus canciones con anécdotas vividas. Realmente impresionante ver cantando en catalán a gente que no habla ese idioma.

- Finaliza la primera jornada con La Bien Querida, artista decididamente de estudio. Si los directos de los de Ana Fernández-Villaverde suelen ser fríos y distantes, esta vez hubo fallos muy evidentes de afinación vocal y coordinación con el resto de los miembros del grupo. Errores solucionables tal vez con más ensayos. A Ana se le notaba muy nerviosa. Comenzó el concierto con un fuerte suspiro antes de arrancar con "Noviembre". De ahí a "Hoy", apostando por los mejores temas del nuevo disco para el inicio del concierto. Tocó el corazón de una entregada primera fila con las canciones de su precioso Romancero, "El Zoo Absoluto" o "Golpe de Estado", para finalizar con una emocionante "9.6". Volvió a salir en un corto bis, compuesto por una valiente "Sentido Común", interpretada a solas con su acústica y finalizó con "De Momento Abril", con catarsis final y con David Rodríguez arrojando su guitarra al suelo. Para los que llevamos los años noventa en las venas, fue un momento fantástico. Un concierto que provocó sensaciones encontradas, ya que a pesar de tener un directo bastante mejorable, las canciones forman ya parte de la historia personal de muchos de nosotros.


Sábado 16 de abril:

- La jornada del sábado comenzó con una escasa veintena de espectadores jaleando los (en algún momento excesivos) gags de Emilio José, una suerte de Brian Wilson galego, con Ourense como punto de referencia. Emilio José es a todas luces un genio, un músico dotado de una capacidad innata para unir preciosas micromelodías que tocan el alma y letras de temática rural, rozando la comicidad pero sin perder un ápice de melancolía y dureza. El de Ourense con su ordenador, sus samplers y su voz de perdedor, se nos metió a todos en el bolsillo desde el comienzo de la actuación. De lo mejor del festival este año.

-Ornamento y Delito fueron probablemente los más beneficiados por la acústica del teatro, que dotó a sus canciones de una oscuridad y dureza que nos hizo redescubrir a los madrileños. Gari mostró una voz mucho más personal que la que se puede apreciar en Rompecabezas De Moda Y Perfección Moral y junto con el protagonismo de las guitarras de Rober, que ensució sabiamente las melodías de "Madrid", "La Policía", "Abraham" o "La cita", Ornamento y Delito nos tuvieron en vilo durante toda la actuación, zarandeándonos en una suerte de explosión sonora continua. Decididamente un grupo para ver en directo. Después del concierto hablamos con Gari, que nos reconoció que a pesar de la repercusión obtenida, el sonido de Rompecabezas De Moda Y Perfección Moral no ha sido el deseado por el grupo y que su próximo disco, reflejará mejor el nivel de oscuridad sonora que la banda alcanza en un concierto.

- Poco público pero muy respetuoso en la actuación de Single, cosa que los guipuzcoanos supieron agradecer. De difícil ejecución y de discurso duro para tomar a la ligera, el concepto que trabajan los históricos Ibón Errazquín y Teresa Iturrioz en Single, se aproxima al teatro o a la performance sonora. Una vez aceptado el discurso y conquistados desde el inicio por la genial puesta en escena, disfrutamos en formato dúo de "¡Miau!", "Posponías", "En el restaurante", "Pío Pío" o "Mr.Shoji", deliciosas joyas diminutas solo aptas para paladares exigentes.

- Lo de Margarita es otra historia, justo lo contrario que con Single. Sonidos excesivamente duros y acompañados de ritmos africanos y tropicales. Todo muy fácil, muy poco arriesgado. Las voces demasiado agudas, hacían que nos costara saber si cantaban en inglés o en castellano. Me recordaron a unos Animal Collective poco inspirados. Aúnque hubo gente que disfrutó con su concierto, a mi Margarita no me llegaron.
- Arranca el final del festival con Enric Montefusco al frente de sus teclados, tocando "Todos de pie (prefacio)". Un leve escalofrío recorre la espina dorsal, Standstill están sobre el escenario. Enric se enfunda su acústica y tiene tiempo para el recuerdo a Vivalaguerra, con "El porqué de hablar solo" o "La mirada de los mil metros", pero desde el comienzo se ve que la sombra de Adelante Bonaparte es muy larga y que va a copar todo el protagonismo de la actuación. Segundo momento de fractura emocional: "Cuando ella toca el piano". Tocado, no creo que podamos aguantar otra carga de tanta intensidad. Suenan los acordes de "1, 2, 3 Sol" y el teatro se rinde ante al buen hacer del directo de Standstill, que rozan el rock progresivo y endurecen con mesura y buen criterio sus canciones. Varios bises jalonan la actuación, con un final deliciosamente emotivo, en el que el sampler de "Moriréis todos los jóvenes" se funde con el de "Hombre Araña". Finalizan con "Bonaparte I", mientras no pocos se desgañitan pidiendo otra. Sencillamente espectaculares y muy adictivos.

Ahora toca esperar al South Pop en su versión de Isla Cristina, del que ya han desvelado los primeros grupos como Montevideo, Odio París o Exonvaldes, entre otros.